Die Geschichte der Bildhauerei des 20. Jahrhunderts wird meist als teleologisches modernistisches Narrativ anhand eines westlich orientierten, d. h. europäischen und nord-amerikanischen Kanons vorwiegend männlicher weißer Künstler erzählt. Ziel des Projekts ist es, die etablierten Narrative und Kategorien zu de(kon)struieren sowie wirksame Methoden und Terminologien zu entwickeln.

Im Zentrum steht eine übergreifende Que(e)rschnittsgeschichte der Bildhauerei zwischen 1900 und 2000, d. h. eine andere ‘Erzählung‘ und ein Beitrag zu Skulpturtheorien mit dem Beginn der Moderne, die eine Transformation des Kanons vornimmt und queere Künstler*innen dialogisch zusammenbringt. Erörtert werden Akzent- und Themenverschiebungen jenseits der typischen heteronormativen und feministischen Narrative sowie kontextuellen Rahmen zugunsten einer Revision der Skulpturhistoriographie und damit Neupositionierung der marginalisierten (queeren) Bildhauer*innen. Die topographische Bedeutung von “Quer” verweist auf eine Verflechtungsgeschichte, d. h. Relativierung und Perspektivverschiebung von vertikalen, hierarchischen Kunstgeschichtsnarrativen zu horizontalen Ansätzen (Piotrowski) und rhizomatischen Strukturen. Mit "Queer“ sind hier jene Genderkonzepte gemeint, die nicht heteronormativen Vorstellungen entsprechen. "Queer" bezieht sich u. a. auf die neuere Queer-Theorie die sich mit der Dekonstruktion von Sexualität, Fluidität von Genderkonzepten und -rollen, mit hybriden Männlichkeitskonzepten und queerem Feminismus befasst. Methodologisch bezieht sich „Queer“ insbesondere auf ein „queering“ bestehender Kategorien und dichotomer Modelle im Sinne von „queerying as a method for queerly analyzing“ (Zebracki 2017), d. h. gegen den Strich zu bürsten, mit neuen rhizomatischen Begriffen zu verflechten und der Situiertheit des Wissens (Haraway 1995) somit produktiv zu begegnen. Die Que(e)rschnittsgeschichte vernetzt auf Basis genderübergreifender, skulpturtheoretischer und künstlerischer Begriffscluster die Künstler*innen, die in der tradierten Skulpturgeschichte niemals aufeinander treffen. Drei Themenschwerpunkte stehen im Zentrum: 1. Erweiterte Haptik und Materialität (u. a. Propriozeption, Somästhetik, Gleichgewichtssinn, materielle Agency, Materialgerechtigkeit, Multisensorik, Haut, Skulptur als Körper) 2. Elastizität der skulpturalen Form (u. a. Zugfestigkeit, Ponderation, das Schwebende, Plastizität, Verflüssigung, mutable Morphologien, Skalabilität, Abdruck) 3. Stasis, Dynamis und die Ästhetik des Lebendigen (u. a. Wachstum, das Organische, Sinnlich-Vegetabile, Systemästhetik, Expressivität, Hybridität, Simulation). Die Untersuchung der Begriffe erfolgt historisch und systematisch. Mit diesen Begriffsclustern wird der durch vielfältige Exklusionslogiken geprägte Kanon porös, erlaubt eine Transformation und Anbindung an Gegenwart und Zukunft.

Projektbeginn am Zentralinstitut für Kunstgeschichte, München, Fortsetzung seit Oktober 2023 an der HBK Braunschweig.